Autoetnografía de Dimarc Ayala

Autoetnografia de Dimarc Ayala

Soy mujer y artista bogotana. Utilizo la pintura como recurso crítico para comprender mi condición de mujer-artista en Colombia. He implementado la posibilidad de la creación pictórica sobre el lienzo y diversas superficies como una concepción de un proceso de vida que hace evidente el acto creativo, como: herida-curación-sanación.

El dibujo es para mí una extensión de investigaciones o cuestionamientos sobre la existencia que no son fáciles de expresar en palabras. A lo largo de mi trayectoria artística he tenido distintos acercamientos a la producción académica-conceptual y algunas piezas de mi actividad creativa que, aunque tienen un fundamento teórico, son realizadas a partir de inquietudes y sentires personales. Hablaré brevemente de las dos.

Imagen 1. Dimarc Ayala (2012). El umbral de los seres. [Lápiz sobre papel, 50 x 50 cm.].

La imagen 1 titulada El umbral de los seres es un dibujo en el que enuncio por primera vez mi condición de ser mujer utilizando símbolos de la siguiente manera: En el fondo se aprecia la Luna como todo aquello que ignoro y admiro iluminando un bosque de árboles secos que simboliza los obstáculos y discursos poco alentadores que rodean mi existencia. La figura femenina tiene alrededor de su cabeza un reloj a modo de celda, ya que el tiempo es un jefe silencioso que va marcando los distintos pasos que damos, dictando la sentencia de la finitud. Una zorra sobre sus hombros evocando la sagacidad que debe acompañar cada decisión, escoltada por dos conejitos inocentes y a la vez taciturnos, guardianes de la serpiente que despertará al menor movimiento si así lo desea la portadora. Las extremidades son unas patas de cabra y unas garritas de leopardo que hacen alusión a ese sentido maléfico del que algunas personas dotan a algo desconocido ignorando el carácter de fortaleza que estas características brindan a la criatura que los lleva ^[1] .

La situación problemática de mi investigación-creación es la lucha constante por mis derechos y deseos de ser mujer-artista, así como el no tener que seguir los estándares de buena mujer exigidos por mi núcleo familiar.

La investigación-creación se ha realizado desde la recuperación de la experiencia vivida, con el uso de instrumentos como un diario estésico, el registro fotográfico, la producción de la genealogía personal, y la configuración del portafolio, elementos utilizados en la experiencia artística como ruta metodológica y la interpretación reflexiva-creativa de los resultados de investigación, como respuesta a los procesos de indagación-creación a partir del sentir.

Las recurrencias teóricas en mi proyecto a grandes rasgos son las siguientes: Katya Mandoki (2006) en el texto de Prácticas estéticas e identidades sociales: Prosaica (II) . Arturo Rico Bovio (2005) con Las fronteras del cuerpo: crítica de la corporeidad. Y Zandra Pedraza. (2004, pp. 7-9). El régimen biopolítico en América Latina. Cuerpo y pensamiento social. Además de los autores mencionados, que han contribuido a mi obra a nivel teórico, he estudiado a otros como: Bataille, Brown, Fajardo, Laura Maldonado y Heidegger. Para mí son fundamentales.

La condición de la estésis y la condición de la sensibilidad, la condición de abertura o permeabilidad del sujeto al contexto en el que está inmerso… y la sensibilidad condición de receptividad de la persona (la cual) depende de la piel (o membrana plasmática). (Mandoki, 2006)

Respecto a estas condiciones, Mandoki reconoce que las instituciones familia, Estado, deporte, artes, funcionan como matrices sociales, como criaderos desde donde acunamos, formamos, incorporamos y ejercemos las intersensibilidades, las cuales estudian sus componentes dramáticos y retóricos.

En el caso de la imagen 2, primer autorretrato hecho con materiales empleados a diario por mi madre en su trabajo de enfermería como lo es la gaza y el hilo, plasmé con vehemencia su deseo de anularme, algo propio de su personalidad.

La gaza envolvía mi rostro y el hilo cosió mi boca pero mis manos pintaron y con un verde rodearon la figura que resultó siendo un cuadro de esperanza ^[2] .

La esperanza se une con la experiencia artística, cerca de 10 años más tarde en la imagen 3 Atravesando la tierra para florecer y ver al sol se ve en la parte superior del rostro tres girasoles que tienen en el centro unos iris evocando el despertar de la claridad, la concisión y la corrección de la visión del ser.

Imagen 2. Dimarc Ayala (2012). Autorretrato [Técnica mixta, 30 x 30 cm.].

Imagen 3. Dimarc Ayala (2022). Atravesando la tierra para florecer y ver al sol [Técnica mixta, 70 x 50 cm.].

Un concepto relevante es el de cuerpo, no sólo como concepto estético sino desde la experiencia de la persona encarnada, es decir, la corporeidad para valorar el cuerpo en su complejidad (Rico B, 2005). Para el autor la complejidad de la persona puede valorarse a través de sus valencias corporales, biogénicas, sociogénicas, noogénicas y personales. Bovio propone una visión holística de lo que se relaciona con el concepto de cuerpo no como concepto estético sino de la experiencia de la persona encarnada, es decir la corporeidad para valorar el cuerpo en su complejidad.

La sensibilidad no es unánime, ya que varía en cada persona según el uso convenido socialmente y permite la expresión de lo que se logra tras una experiencia corporal.

Otra contribución importante a mi trabajo, la realiza Zandra Pedraza, a partir del estudio sobre el orden corporal del régimen biopolítico de América Latina. Para la autora “el vínculo entre Estado, nación y biopoder, la forma del régimen de representación y de gobierno biopolítico en cuestión, y su alcance práctico y simbólico en las sociedades latinoamericanas” (Pedraza, 2004). Por lo tanto, “el Estado-nación promueve el desarrollo de principios y normas que constituyen lo que es políticamente correcto, moralmente aceptado y el nicho de lo que se puede forjar a nivel cultural y familiar. Así que, esto influye en la acuciante disciplina individual y el estricto control sobre la expresión, y da vía a la pura forma, el signo corporal, la conveniencia y la estilización de la vida” (Pedraza, 2004).

Para poder analizar esto en mi trabajo, utilicé los modos de relación sintiente de Sonia Castillo que explicaré a través de la siguiente imagen. Hice algunos análisis que pueden ser consultados en mayor detalle en mi tesis de maestría La erótica como transgresión de mi experiencia de ser mujer: un estudio de mi actividad.

Imagen 4. Dimarc Ayala (2021). I made a mistake [70 x 50 cm.].

Imagen 5. Life is Acrílico sobre lienzo.70 cm x 50 cm. Dimarc Ayala .2021

La imagen 4 I made a mistake, es una muestra del florecer corporal donde ya no reniego sobre mi propia condición y construcción corporal en la que el tatuaje ofreció un proceso catártico de huella y cicatriz como promesa de perdón y resiliencia con mi ser sin dejar de lado otros aspectos como se expresa claramente en la Imagen 5, Life is donde frases que en su momento eran denigrantes fueron construyendo fuertes bases para la consolidación de la reflexión artística.

Concepciones negativas sobre pictórica del 2012 al 2016^. (Ayala P.D.M., 2017). Particularmente eran recurrentes los siguientes términos en distintos ámbitos:

• Mujer machorra

• Sin clase

• Fracasada

• Satánica

• Oveja negra.

• Mujer de mal olor.

• Artista que pierde el tiempo pintando, ya que la pintura ha muerto.

• No honorable.

• Artesana.

Estas palabras me brindaron el soporte necesario para realizar una interpretación y llevar a cabo, una trasgresión. Es decir, superar, resistir, contradecir y reconstruir la propia experiencia de ser mujer en mi ámbito familiar, en el que imperan ideales religiosos de ser madre, esposa y esclava del trabajo doméstico. Destacando que bien se puede asumir mi proceso como un estudio de caso no explicito, pero si implícito en relación con la problemática nacional que refiere al cómo son valoradas aún las mujeres en Colombia, y de cómo aún en pleno siglo XXI, mientras en la academia se enseña los avances alcanzados respecto a los derechos de ser mujer, la superación de las diferencias de sexo; en nuestras propias vidas cotidianas, la valoración de la mujer artista es todavía señal de deshonra y motivo de maltrato, como en el caso de mi propia experiencia.

En segundo lugar, la manera cómo estas experiencias dolorosas, vividas en mi condición de ser mujer artista fueron transformadas y metaforizadas a través de la pintura y de la utilización de elementos simbólicos específicos que me permitieron recrearme y visualizarme en otras dimensiones a partir de la estética plástica.

En tercer lugar, la aparición de la erótica como dinámica de trasgresión, que me permitió a la vez revelar mientras ocultaba. Es decir, revelaba mi intimidad al público a través del ocultamiento en los símbolos plásticos utilizados; y a la vez, hacia el interior de mi familia, al trazar un doble ocultamiento, para poder seguir pintando.

En la acción de pintar y de insistir en lo que ahora identifico como autorretratos ficcionales, he transgredido la exigencia de la delgadez y he empezado a aceptar mi propia valoración de contextura física gruesa, a través del juego abierto y explícito del erotismo para descubrir mi propia belleza y ejercer mi derecho a la sexualidad. Estas formas de trasgresión me han permitido la autoconfiguración de rutas hacia mi propia libertad, camino arduo y difícil. De igual manera a través del autorretrato he podido invertir, desde la ficción, el sentido negativo de las palabras de mi madre y su valoración hacía mí como mujer artista, con la animalidad, la poca honorabilidad y la falta de moral.

En algunas de las obras que he realizado, se encuentra la manifestación del ver y dejar ver al espectador, en ellas se enfrenta el develamiento de un ser femenino que no revela su propia identidad del todo, y en donde el trabajo del develamiento que se le propone al espectador se manifiesta a través de relaciones de referentes a la música y el vestir en diálogo con elementos de estética de la Edad Media, el juego de las máscaras y las asociaciones de una feminidad antropomorfa.

En la imagen 6 ¿Soy yo una mujer deseable? Utilizó el recurso del “Vanitas” ^[3] en el que la chica se retrata con una cámara antigua para hacer referencia a esos conceptos de belleza en los que una mujer debía contar con unas medidas corporales específicas y cumplir con los designios planteados por la iglesia. Sin embargo, ella sonríe y se siente segura de lo que ha logrado sin ocultar su perspicacia.

Imagen 6. Dimarc Ayala (2022). ¿Soy yo una mujer deseable? [70 cm x 50 cm.].

En la imagen 7 Sideral proyección. Más que una mujer es su proyección corporal la que se manifiesta como el Sol, radiante y segura. Un ojo envolvente lleno de sabiduría que domina cualquier situación sin prejuicio y con seguridad. Es ella quien domina.

Imagen 7. Dimarc Ayala (2017). Sideral proyección [Óleo sobre lienzo].

Mientras al espectador se le propone estos develamientos, en mi propia acción de pintar (de pintarme), pude realizar la facción de la dualidad de mi misma a través de los dobles significados, los cuales, por ejemplo, en la condición antropomórfica de estos autorretratos ficcionales, los dobles sentidos, tanto positivos como negativos de la animalidad femenina, pudieron ser integrados en mi yo-coneja, mi yo-zorra, mi yo-serpiente. Este juego de bestiario representado en las obras, motivo de esta investigación, asume esta integración desde el sentido de la representación, es decir, del volver a presentar desde lo positivo, aquella asociación con la animalidad que me fue adjudicada como epíteto por mi condición de mujer y de mujer artista. El juego de bestiario devela y oculta a la vez, lo animal de lo humano.

Así mismo estas representaciones conllevan un sentido dual entre vestido y desnudo, un desnudamiento de la animalidad femenina y además, de lo religioso y lo profano; la mujer del ocultamiento que encarna y oculta la belleza de las formas femeninas y su transformación en zorra o serpiente, que permite al espectador poner en juego también sus propias concepciones católicas marianas, de las buenas costumbres y la honorabilidad. La aparición de mi propia representación desde un sentido positivo como mi yo-zorra, yo-serpiente; coinciden, en los momentos de ser pintados, con la experiencia negativa de ser violentada.

Ahora, con esta investigación puedo interpretar cómo esta valoración de desprecio a la mujer como zorra, como serpiente, como oveja negra, entre otras; guardan una estrecha relación desde las concepciones aún vigentes en mi familia y las argumentaciones que sobre dichas asociaciones ya había establecido Aristóteles al señalar, por ejemplo, que la pantera es ladina por ser húmeda como la mujer, y donde instala el desprecio y la prevención por animales como la zorra y la serpiente, asociándolas con las prácticas de la lujuria, el engaño, la mentira.

Tanto la zorra como la serpiente comparten con la simbología cristiana, ser la encarnación de Satán, así como los gatos y felinos son asociados a la traición, a la herejía, directamente con Judas en la Última cena. Los animales condenados por estas perspectivas se tornan también en un símbolo común en la estética del metal gótico, en el que la posibilidad de mezcla entre el cuerpo humano y el animal habla de un caos creador en la representación de lo humano, tal como lo señala al decir que, al devenir lobo y devenir gato:

1. El cuerpo de la diferencia es la posibilidad múltiple, se hacer el deseo o devenir humano, animal o no humano.

2. El cuerpo se determina en la potencia de un devenir animal que elige el hombre.

3. El cuerpo puede devenir intenso a través de asumir una de las características del animal.

Las asociaciones directas de la mujer de conducta reprochable con animales de pésima valoración en el cristianismo, cuyos orígenes son en la Edad Media (Morales, 1996, p. 229), aún se mantiene en la contemporaneidad, expresada así: Araña como hipocresía/regeneración, escorpión asociado con la figura de la muerte y el sexo, la hiena con el hermafroditismo, la lechuza con la muerte, el lobo como ya lo señalé, asociado en la figura femenina al poder de la destrucción, la rata con el demonio, compartiendo esta significación con la serpiente, el tigre y la zorra.

Es así como en la Imagen 8 Acido Neurológico las asociaciones con lo reprochable, con lo que se debe ocultar y no debemos ver, salen en conjunto hablándonos de la armonía y la conexión entre lo que sale en el inconsciente y evoca pensamientos que llevan al conocimiento de uno mismo.

En la imagen 9 Inocencia segura a lo desconocido, la conejita lleva una muñeca que simboliza lo que le dijeron que debe ser, lo que escogieron para ella, sin embargo ella no lo ve como algo que obstaculiza su descubrimiento, sino al contrario como una guía mientras se da la oportunidad de buscar en su camino las respuestas que necesita para develar su existencia

Imagen 8. Dimarc Ayala (2019). Acido Neurológico [Técnica mixta, 100 cm x 70 cm.].

Imagen 9. Dimarc Ayala (2023). Inocencia segura a lo desconocido [Tamaño: 70 cm x 50 cm.]

Sin embargo, desde la perspectiva negativa de esta forma de discriminación contra las mujeres, se permite interpretar que allí se condensan lógicas desde la misoginia, que también puede ser ejercida de mujer a mujer, desde la cual está “animalidad” femenina está asociada a formas de “supuesta inferioridad”. En cuanto a lo moral, la mujer se supone proclive al sexo y todo lo asociado como inmoral, demoniaco y pecaminoso; y la supuesta inferioridad intelectual, (al creer que las mujeres son menos inteligentes que los hombres). Por lo anterior se les exige obediencia y domesticidad; esto según lo presenta la Red Feminista (2011).

En el texto, se presenta la idea en relación a que el odio más antiguo de la humanidad ha sido el odio a las mujeres. La interrogante por ser mujer se resuelve pictóricamente en la mezcla entre la estética. Por ejemplo, en el uso del negro y colores oscuros para la representación de elementos escópicos en el vestuario.

La erótica, “estar entre” vestido y desnudo, se revela también a partir del uso simbólico de la luz y la oscuridad. Pero se trata de la oscuridad como la cama de la luz, la oscuridad que deja ver y también muestra la oscuridad, no desde la condena del color negro, sino la oscuridad asociada desde la simbología religiosa con el mal y el delito. En la influencia de la esencia visual del vestuario, cuya preponderancia es seguida por cuerpos espectadores, máquinas visuales que, como ojos obsesivos, observan, registran y evalúan la pasarela de las figuras femeninas.

Finalmente, la posibilidad de autoficcionarme a través de estos retratos hace parte de mi juego con el erotismo, particularmente marcado en la escópica del uso de corsés, máscaras y parafernalia. La representación de mí misma, de lo femenino desde el corsé se asocia en la pintura con el uso que de la prenda he hecho en mi propia experiencia del vestir, desde un sentido híper de lo femenino asociado al deseo. Esto desde mi experiencia como una crítica al impedimento de ser y dejar ver, de evidenciar las formas del cuerpo femenino.